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viernes, 4 de septiembre de 2015

Conociendo tu Taller: Guido Mauas

Nos preguntamos cómo es el espacio donde trabajan nuestros artistas, cómo lo formaron, qué tienen en él, cómo se ve en plena creación de las obras. Si escuchan música a la hora de trabajar, si prefieren un momento del día, si toman mate, si son ordenados o expansivos en el momento de creación.  Abrimos esta sección para acercarles el taller de los artistas de Puntovero.com

Conociendo tu Taller: Guido Mauas


Me inspira en general alguna hora del día por la luz. A veces es esa luz tenue y quieta de cuando está nublado. A veces me inspira la cara de alguien, alguna cosa vieja o una fruta joven. El desorden también me inspira, pero por lo general hay que retocar alguna cosa. Me inspiran constantemente pinturas que vi, escenas de películas. Hay directores que son pintores sin pincel, Kubrick por ejemplo.






Tengo una fuerte tendencia a ser nocturno, por lo que tengo que luchar para contrarrestarla y poder pintar de día. Pero a veces también pinto de noche y acepto la configuración de las cosas como estén, con la luz artificial del taller. También tiene algo la luz nocturna, eléctrica. De eso estamos hechos al fin y al cabo. Cabe decir lo distintas que se ven las cosas, la diferencia abismal de un clima al otro.




 Por lo general pongo música mientras pinto. Algo por el lado de Phillip Glass, Hans Zimmer, Piazzolla. Últimamente también estuve poniendo Ray Charles y Radiohead. Cuando estoy retratando a alguien, elegimos la música entre los dos.



¡Gracias Guido por abrirnos las puertas a tu taller! 


miércoles, 15 de abril de 2015

Weekly Pick: "Casandra"

Weekly pick: "Casandra" de Guido Mauas


Pintura - Ã“leo | 40x60cm | http://goo.gl/KwTngY | en Puntovero.com

miércoles, 24 de septiembre de 2014

En conversación con Guido Mauas



Estudio de naturaleza muerta, óleo sobre tela


- ¿Cómo fue tu experiencia en el exterior este año?

Estuve en España y en Nueva York. Mi plan inicial era ir a Nueva York a estudiar en la New York Academy of Arts unos meses, un viaje que venía planeando hacía bastante. Pero poco antes del viaje me enteré de que fui seleccionado para asistir al Curso de Realismo y Figuración para Pintores dado por Antonio López en España. Obviamente, ir a un taller con López no es algo que sucede todos los días. Se trata de uno de los pintores más importantes de los últimos 50 años, cuya obra adoré y admiré siempre. Así que enganché los dos viajes, porque las fechas cerraban justo, con apenas unos días entre un curso y el otro. 

En España me recibieron los compañeros del curso con una onda increíble, y la pasé muy bien. El compañerismo que se vivió esos días no lo olvido. El curso con López fue breve e intenso, todos los días desde la mañana hasta el final de la tarde. Las ideas y las cosas que surgen en cada pintor son para que uno las trabaje luego, un trabajo que todavía dura y seguirá. 

Luego de eso, estuve unos meses en Nueva York, yendo a clases de figura humana dadas por Mark Tennant, un gran profesor. Allí estudié con un poco más de detalle el claroscuro, la anatomía, y la expresión en mis dibujos y pinturas. Produje sobre todo estudios de figura en carbonilla y en óleo.


- ¿Qué fue lo más valioso de esta experiencia?

Las cosas que viví en el viaje de España y New York como artista y como experiencia de vida son muchas, y todavía siguen haciendo efecto. 
La energía de Nueva York. Las calles elegantes y abiertas de Madrid. El aire de Andalucía. La comida de España en general. La gente de Brooklyn, Queens, Manhattan y los subterráneos. Los museos: El Prado, el Reina Sofía, el Thyssen, el Metropolitan. Ver las pinceladas de Sorolla a 20 centímetros de tu cara. Sargent, Freud, Velázquez, Fortuny, Goya, Rembrandt. Estar pintando todo el tiempo, conocer gente abierta, artistas, aprender a vivir como un nómada de acá para allá, crecer.

Estudio de figura hecho en la N.Y. Academy of Arts ("Mujer sentada en calma"), carbonilla sobre papel


Estudio de figura hecho en la N.Y. Academy of Arts ("La mujer que no quería estar ahí"), carbonilla sobre papel


- ¿Qué tendencias con respecto al arte viste en Europa y en New York? 

Las tendencias me pueden pasar por al lado y no percatarme de ellas. Se desvanecen de un día para el otro, a diferencia del arte. A mí me interesa la pintura figurativa y realista construida desde la abstracción y la luz (lo que se suele decir "manchas") y del natural (no copiando fotos), y es ahí hacia donde dirijo mi mirada. A lo que no me interesa no le presto atención. Es un capricho. La poesía está ahí para mí. 

La pintura realista revela cosas hoy en día (sobre todo hoy en día) que una cámara no puede revelar, y por eso es importante que la pintura siga un camino independiente. Quizás es por eso que cuando retratás a alguien, mira su propio retrato con intriga, como si algo se revelara de ellos mismos allí, mientras que nadie mira una foto suya con ese interés. 

Yo conecto con lo que me pertenece y a donde yo pertenezco, y de eso vi mucho: vi mucha movida de realismo impresionista y figuración, y todo el abanico de posibilidades expresivas que surgen de ahí.

- Qué diferencias encontraste entre ambas ciudades con respecto a la visión de arte que tiene cada una? Qué diferencias pensás que hay con el arte en Argentina?

La diferencia entre New York y España es que New York, al ser la ciudad más cosmopolita del mundo, produce arte no sólo desde la reflexión y la perceptiva estudiosa del realismo y la forma: las cosas chocan y se mezclan a un ritmo diferente, lo cual es interesante porque resulta en una diversidad más frenética. Pero la pintura tiene sus propios tiempos y no todo lo acelerado prospera. 

Tanto en España como en New York hay mucha experimentación y crecimiento en la figuración y el realismo. La pintura que a mí me gusta respira, encuentra sus formas de subsistir y salir a la superficie más viva que nunca. Hay una figuración y un realismo contemporáneos fuertísimos tanto en Estados Unidos como en España: desde Schmid hasta Kanevsky, desde López hasta Golucho. Y sigue creciendo y cambiando en los artistas nuevos, pero no sólo sucede en esos países, brota en cualquier lugar desde el individuo, porque el arte no pertenece a ningún país: es una nación que trasciende esas fronteras y le pertenece a quien la lleva en el espíritu y en la mano.

Adiós al invierno, óleo sobre tela

Estudio de figura hecho en la N.Y. Academy of Arts, óleo sobre tela

Junto a Antonio López en el curso de España





jueves, 6 de marzo de 2014

Weekly pick: "El sueño"




"El sueño" de Guido Mauas en nuestro weekly pick

martes, 3 de diciembre de 2013

Weekly pick: "El lector"



viernes, 1 de noviembre de 2013

Entrevista del Mes: Guido Mauas


¿Cuál es tu definición de arte?

No tengo una definición de lo que es arte, pero me gusta pensar que el arte implica una aventura, una construcción, aunque sea vana e ilusoria (cuanto más ilusoria más posibilidades abre).
Arte no es meramente expresarse, eso lo hace cualquiera y por sí solo me parece un poco pobre y aburrido, unidireccional. De ahí que uno diga que algo (sin importar qué) está hecho "artísticamente" cuando uno se refiere a algo hecho por alguien que se forjó a sí mismo, con pasión, con trabajo y con maestría. Sólo así el resultado transmite soltura y fluidez, justamente porque hay dedicación detrás.
Una vez leí algo que dijo Alan Pauls (hablaba sobre literatura) y me sentí identificado: "Escribir es lo opuesto a expresarse, es entrar en una tensión decisiva y única con la forma. Aunque mis novelas surjan de una experiencia personal siempre se convierten en otra cosa". 
Ese "convertirse en otra cosa" de la obra es clave, creo. La plástica tiene una fuerza primitiva, hecha de un fuego que hay que forjar, de luz, liberadora y atrapante, y alude a esa experiencia sensorial. Pintar se trata de una forma de ver, una mirada -lo que para un compositor sería una voz. Eso es lo que uno está buscando todo el tiempo como artista, y esa mirada vive dentro de uno pero sólo se la puede encontrar haciéndola rebotar con el afuera.
En ella se condensan el carácter personal, la intención, las puestas en relieve de algunas cosas y el paso por alto de otras, los acentos, los ritmos. Esa forma de ver que uno quiere revelar requiere trabajo y soltura a la vez, y entonces aparece la técnica, que no es otra cosa que lo indispensable que queda de haberse enseñado a uno mismo a pintar, a construir una imagen que plasme la mirada que uno lleva adentro. 

¿Cómo fue tu camino en el arte?

El arte estuvo siempre, pero desde hace unos años estoy dedicándome y trabajándolo en serio. Por supuesto que dibujo desde chico, y anécdotas al respecto no faltan, como supongo sucederá con todos los artistas. También me gustaba la música y estudié (y sigo estudiando) guitarra, me encantaba observar la naturaleza, lo cual ahora pienso que también era algo relacionado al arte, y me interesé y me sigue interesando la literatura. Cuando leo las cosas que escribí, las encuentro muy hechas de imágenes, como si buscara pintar con la palabra.
Antes de dedicarme plenamente al arte, estudié unos años de licenciatura en matematicas en la UBA, una carrera bellísima también, una aventura del pensamiento. Es una carrera artística, para nada pragmática, muy abstracta, como un juego. Así la viví yo los dos años que la cursé, y eso me abrió la cabeza, me alimentó la curiosidad y me dio disciplina a la vez. Cierto sentido de la belleza y la síntesis me vienen de ahí también. Todas esas pinceladas son las que me pintan hasta ahora.

¿Cómo definirías tu estilo en 3 palabras?

Impresionismo, realismo, minimalismo

¿Qué te inspira?

En general me inspiran otros artistas. Es decir, hay obras de otros artistas que me fascinan y son inspiradoras inagotables. Y también me inspira el cuerpo humano, la naturaleza, lo que la luz le hace a las cosas, la música.

Quick Q&A

Un artista: Varios… Van Gogh, Sargent, Carlos Alonso, Bacon, Alex Kanevsky.
Una obra de arte: los estudios de retratos hechos por Bacon, los trípticos.
Un personaje de un libro: Montag, de Fahrenheit 451
Un momento del día: el mediodía. Aunque suelo trabajar de noche.
Una ciudad: todas, cualquier ciudad donde se hable otro idioma.
Una línea de una canción: "Si algo te sacude sin sentido, será que la canción llegó hasta el sol", de Spinetta.







 
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